Jeux interdits - 1952

 

 

 

 

 

"Je ne peux pas dire que je pensais que je réalisais un chef-d’œuvre mais

ce dont je suis sûr que je peux dire vraiment,

 

c’est que je savais que je tournais quelque chose qui était

très important pour moi,

et le film a failli ne pas se terminer. 

 

Il s’est achevé dans des conditions dramatiques.

 

Il est sorti dans des conditions tout aussi dramatiques.

 

On en voulait beaucoup au producteur qui l’avait fait.

 

On essayait de l’achever et en l'achevant lui, on achevait mon film….

 

J’ai littéralement terminé

«Jeux interdits» comme on sort un malade du lit

en ayant peur qu’il ne meure

dans la seconde qui suit."

 

 

 

 

Au cours de l'Exode de 1940 en France, un convoi de civils est mitraillé.

 

Paulette, cinq ans, perd ses parents et se met à errer dans la campagne, serrant dans ses bras le cadavre de son chien. Dans les bois, elle rencontre Michel, un garçon de dix ans, qui l'emmène vivre dans la ferme de ses parents.

 

Réticent au début, le père de Michel accepte l'arrivée de Paulette (plus par peur que les voisins: les Gouard, ennemis jurés, ne le fassent et en tirent une quelconque gloire, que par charité).

 

 

Paulette enterre discrètement le petit chien, mais Michel devine rapidement son geste, et à deux ils se mettent à créer des sépultures pour tous les animaux morts qu'ils découvrent : rats, crapauds, poussins, etc. Michel ne trouve pas très réussies les croix qu'il fabrique et les deux enfants entreprennent de voler les crucifix qu'ils trouvent: sur le corbillard, à l'église, au cimetière.

 

 

 

André Wasley : Monsieur GouardTitre : Jeux interdits

Réalisation : René Clément

Assistants réalisateur : Léonard Keigel, Claude Clément, Pierre Kast, René Albouze, Robert Turlure

Scénario : Jean Aurenche, Pierre Bost et René Clément, d'après le roman Les Jeux inconnus de François Boyer

Maquillage : Paule Déan

Montage : Roger Dwyre

Musique : pièces de Robert de Visée, Napoléon Coste, Jean-Philippe Rameau, etc. arrangées et interprétées à la guitare par Narciso Yepes

Photographie : Robert Juillard

Affichiste : Clément Hurel

Production : Silver Films

Producteur : Robert Dorfmann

Pays d'origine : France

Format : Noir et blanc - 1,37:1 - Mono

Genre : drame, guerre

Durée : 86 min

Tous publics

Date de sortie : 9 mai 1952

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Distribution :

 

Georges Poujouly : Michel Dollé

Brigitte Fossey : Paulette

Amédée : Francis Gouard

Laurence Badie : Berthe Dollé

Madeleine Barbulée : Soeur à la Croix-Rouge

Suzanne Courtal : Madame Dollé

Lucien Hubert : Monsieur Dollé

Jacques Marin : Georges Dollé

Pierre Merovée : Raymond Dollé

Violette Monnier

Denise Perronne : Jeanne Gouard

Fernande Roy

Louis Saintève : Prêtre

 

René Clément et Brigitte Fossey.

 

 

 

 Pour le choix du rôle de la petite Paulette, c’est à Nice, dans une salle ou étaient réunies 150 petites filles que la femme de René Clément, Bella, influença fortement son mari pour engager

une petite fille (Brigitte Fossey) alors âgée de 5 ans et demi.

 

En effet le réalisateur qui était d’abord très réticent pour l’auditionner à cause de son très jeune age se rendit compte qu’au bout de quelques essais il était finalement plus facile de diriger une fille de 5 ans plutôt qu’une de 9 à 11 ans comme il l’avait dûment désiré et demandé dans une annonce d’un journal  

 

(Une anecdote racontée par l’actrice Brigitte Fossey, d’après ses mémoires lors d’un entretien télévisé ).

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La bande originale du film est choisie et interprétée par le guitariste Narciso Yepes qui a fait un léger arrangement de diverses partitions. La mélodie la plus célèbre Jeux interdits est depuis devenue un classique de l'apprentissage de la guitare.

 

 

Narciso Yepes.

 

 

 La mélodie originale, Romance anonyme se trouvait déjà dans le film de Rouben Mamoulian "Arènes sanglantes", onze ans auparavant. De compositeur longtemps resté inconnu, elle pourrait être attribuée à Fernando Sor ou à Matteo Carcassi.

 

 

Fernando Sor.

 

 

 

Matteo Carcassi.

 

 

 Cette dernière controverse a été mise en lumière par la revue Guitare Classique N° 52 de mars-mai 2011. 

 

La Romance aurait été écrite par Narciso Yepes lui-même en cadeau pour sa mère.

 

Ce sont les vrais parents de l'actrice Brigitte Fossey qui interprètent les parents de Paulette.

 

 

 

Le succès du film est tel que Brigitte Fossey est présentée à la reine Élisabeth II du Royaume-Uni en février 1953.

 

L'écriture de "Jeux Interdits" par Jean Aurenche et Pierre Bost est évoquée dans le film Jean Aurenche, écrivain de cinéma (2010).

 

Oscar du meilleur film étranger en 1952.

 

Lion d'or à la Mostra de Venise 1952.

 

BAFTA du meilleur film (1954).

 

 

Le film suscita une immense émotion, probablement parce qu'il n'y avait pas de façon plus frappante que de montrer la guerre, et ce qu'elle engendre, à travers des regards d'enfants.

 

L'interprétation de Brigitte Fossey, dont c'était la première apparition à l'écran, y est pour beaucoup. Son naturel, sa sensibilité, sa sincérité touchante prouvent à quel point elle fut admirablement dirigée par son metteur en scène. La direction d'acteurs n'était d'ailleurs pas une des moindres qualités de René Clément.

Née à Tourcoing en 1946, elle fut choisie parmi beaucoup d'autres enfants de son âge pour incarner le rôle de Paulette. Son jeu intense et dramatique impressionna le public et la critique et il vrai qu'elle porte le film de façon extraordinaire pour une si petite fille.

 

 

 

Eloignée des studios le reste de son enfance et durant son adolescence par ses parents, elle renoua avec le cinéma en 1966 en acceptant le rôle romantique d'Yvonne de Galais dans "Le grand Meaulnes"de Jean-Gabriel Albicocco, inspiré du roman d'Alain-Fournier,  ensuite sa carrière ne cessa de s'approfondir au cinéma comme à la télévision( Le château des oliviers ) et au théâtre.

Quant à Georges Poujouly, qui interprétait avec une gravité étonnante le petit Michel de "Jeux interdits",il naquit à Garches en 1940 et mourut d'un cancer en octobre 2000. Remarqué par René Clément lors d'un casting, il obtint, par la suite, des rôles assez secondaires dans "Nous sommes tous des assassins" de Cayatte et "Ascenseur pour l'échafaud" de Louis Malle et fit des apparitions à la télévision dans divers feuilletons, dont "Par quatre chemins"( 1967 ), aux côtés de Marlène Jobert.

 

 

 

 

 

 

 

Hollywoodland

Héros du film d'action hollywoodien (et de mon enfance), Steve McQueen est une star à part, un homme solitaire mystérieux, au passé difficile et tous ses films dressent un portrait de ce grand rebelle.

Né le 24 mars 1930, Terrence Stephen McQueen cultive très tôt le ressentiment. Son père (pilote dans des meetings aériens) l'abandonne alors qu'il a 6 mois et sa mère le confie à un grand-oncle, éleveur de porc dans le Missouri (c'est avec lui que McQueen deviendra un vrai cow-boy).

Récupéré à 9 ans par sa mère, le petit Steve connait beaucoup de beaux-pères et certains sont assez...violents (l'un d'eux, alcoolique, le bat régulièrement).

La rebellion du futur Junior Bonner commence et il devient membre d'un gang, vole des voitures, se bagarre...la suite logique est la maison de redressement à 14 ans. C'est une étape importante car cette école va le recadrer un peu (devenu une star, il va fonder une bourse portant son nom).

Il part à l'aventure, St Domingue où il est charpentier, revient aux States et cumule les petits boulots (barman, VRP, mécano...), sa rencontre avec Mark Rydell sera déterminante. Il l'encourage à se présenter à des auditions et à s'inscrire à des cours d'acteurs (à partir de 1952 à l'Actor's Studio)...et c'est le début d'une carrière mythique.

Engagé à Broadway (dans la pièce A Hatful of Rain en 1955), il débute ensuite au cinéma comme figurant dans MARQUE PAR LA HAINE de Robert Wise et des séries B comme THE BLOB mais la grande chance de ce début de carrière se nomme AU NOM DE LA LOI, où il va incarner durant 3 saisons (de 1958 à 1961) le mythique Josh Randall, un chasseur de prime.

Le triomphe au cinéma vient véritablement avec LES 7 MERCENAIRES de John Sturges où, dans un rôle secondaire, il vole la vedette à Yul Brynner. Steve McQueen rompt son contrat avec la production de AU NOM DE LA LOI et se lance vraiment dans le cinéma (l'acteur devient rapidement l'un des acteurs les plus convoités de sa génération).

En 1961, il retrouve Sturges pour un autre grand film, LA GRANDE EVASION dans lequel il suggère lui-même l'idée de l'évasion à moto, une séquence devenue mythique. Il est devenu une star mais sa réputation de sauvage joue aussi contre lui.

Peu ouvert aux journalistes, il mène une vie de hippie (fume des joints, fait de la moto...tous ça en marge d'Hollywood), mais il décide d'élargir sa palette de comédien avec 2 films intimistes de Robert Mulligan, UNE CERTAINE RENCONTRE (où il fait la connaissance de Natalie Wood) et LE SILLAGE DE LA VIOLENCE. Gros échec au box-office, qui pousse McQueen à revenir vers un cinéma qu'il connait bien avec le génial LE KID DE CINCINNATTI de Norman Jewison, qui sera un triomphe.

L'acteur obtient une nomination pour l'Oscar du meilleur acteur en 1967, pour LA CANONNIERE DU YANG-TSE de Robert Wise, un film pourtant assez médiocre.

En 1968, l'acteur tourne deux de ses films les plus célèbres, L'AFFAIRE THOMAS CROWN de Norman Jewison et BULLITT de Peter Yates (avec la fameuse course poursuite dans les rues de San Francisco où l'acteur refuse d'être doublé), qui font de lui une superstar.

Sa passion pour les voitures l'amène à produire LE MANS de Lee H. Katzin, mais ce gros échec va couler sa boite de production Solar.

Côté vie privée, Steve est passé de l'herbe à la cocaine et aux acides, il enchaine les liaisons...mais il s'associe à son grand pote Sam Peckinpach pour 2 films excellents, JUNIOR BONNER et GUET-APENTS. Le premier est un de mes films préférés, un film mélancolique génial et je pense un des meilleurs rôles de McQueen, et le second est un grand polar très violent (et l'acteur rencontrera un des grands amours de sa vie, Ali McGraw, pour qui il refusera le film de William Friedkin, SORCERER, pour ne pas être séparé d'elle).



L'acteur enchaine encore des grands films avec PAPILLON de

Franklin J. Schaffner en 1973 et LA TOUR INFERNALE de John Guillermin mais l'acteur reste toujours ce solitaire meurtri, le rebelle du début de sa carrière et sa séparation avec Ali McGraw le laisse totalement désemparé.

Il se clochardise lentement, alcoolique et avec beaucoup de kilos en trop, l'acteur a un cancer du poumon et tourne très peu (son dernier film

LE CHASSEUR de Buzz Kulik et il est excellent dans TOM HORN

de William Wiard) mais il retrouve l'amour avec le top-model Barbara Minty (qui sera sa troisième épouse).

L'acteur décéde le 7 Novembre 1980 à Juárez, au Mexique, où il s'était retiré après sa séparation avec Ali McGraw.

Filmographie :

Tom Horn (1980), de William Wiard

Le Chasseur (1980), de Buzz Kulik

La Tour infernale (1975), de John Guillermin

Junior Bonner (1973), de Sam Peckinpah

Le Guet-apens (1973), de Sam Peckinpah

Papillon (1973), de Franklin J. Schaffner

Le Mans (1971), de Lee H. Katzin

On Any Sunday (1971), de Bruce Brown

Bullitt (1969), de Peter Yates

Reivers (1969), de Mark Rydell

L'Affaire Thomas Crown (1968), de Norman Jewison

La Canonnière du Yang-Tse (1967), de Robert Wise

Nevada Smith (1966), de Henry Hathaway

Le Sillage de la violence (1965), de Robert Mulligan

Le Kid de Cincinnati (1965), de Norman Jewison

La Grande évasion (1963), de John Sturges Capitaine

La Dernière bagarre (1963), de Ralph Nelson

L'Enfer est pour les héros (1962), de Don Siegel

L'Homme qui aimait la guerre (1962) de Philip Leacock

Les Sept mercenaires (1961), de John Sturges

Branle-bas au casino (1961), de Richard Thorpe

Au nom de la loi (1960) - Saison 3 SÉRIE TV

Au nom de la loi (1959) - Saison 2 SÉRIE TV

Alfred Hitchcock Présente (1959) - Saison 5 SÉRIE TV
épisode : 15

Hold-up en 120 secondes (1959), de Charles Guggenheim

La Proie des vautours (1959), de John Sturges

Au nom de la loi (1958) - Saison 1 SÉRIE TV

Danger planetaire (1958), de Irvin S. Yeaworth Jr.

Marqué par la haine (1956), de Robert Wise          

SOURCES

http://www.mad-movies.com/forums/index.php?showtopic=26477

La Belle et la Bête - 1946. Jean Cocteau

« L’enfance croit ce qu’on lui raconte et ne le met pas en doute. Elle croit qu’une rose qu’on cueille peut attirer des drames dans une famille. Elle croit que les mains humaines d’une bête qui tue se mettent à fumer et que cette bête en a honte lorsqu’une jeune fille habite sa maison. Elle croit mille autres choses bien naïves.

 

C’est un peu de cette naïveté que je vous demande et, pour nous porter chance à tous, laissez-moi vous dire quatre mots magiques, véritable

« Sésame ouvre-toi de l’enfance » :

 

Il était une fois…..

 

Jean Cocteau.

 

 

 

 

Production déléguée : Discina

Exportation/Ventes internationales : Studiocanal

Distribution France : Discina

 

 Assistant à la réalisation : René Clément

Adaptation et/ou dialoguiste : Jean Cocteau

Dialoguiste : Jean Cocteau

Auteur de l'œuvre originale : Jeanne-Marie Leprince de Beaumont

Producteur : André Paulvé

Scénariste : Jean Cocteau

Voix : Jean Cocteau

Directeur de la photo : Henri Alekan

Ingénieurs du son : Jacques Carrère, Jacques Lebreton

Cadreur : Robert Foucard, Raymond Letouzey, Henri Tiquet

Directeur de production : Emile Darbon

Monteur : Claude Ibéria

Scripte : Lucile Costa

Décorateurs : Christian Bérard, René Moulaert, Lucien Carré

Auteur de la musique : Georges Auric

Costumes : Christian Bérard, Marcel Escoffier, Pierre Cardin

Interprète de la musique : Roger Desormière

Josette Day : la Belle

Jean Marais : Avenant/la Bête/le Prince/lui-même, générique

Michel Auclair : Ludovic

Mila Parély : Félicie

Nane Germon : Adélaïde

Marcel André : Le père

Raoul Marco : L'usurier (à confirmer, cf. discussion, mais crédité au générique)

Jean Cocteau : voix de R. Marco/lui-même, effaçant le tableau du générique

Christian Marquand : laquais

Doudu : Diane, la chasseresse

le chien Moulouk : lui-même, générique

Gilles Watteaux

Noël Blin

Janice Felty

Ana-Maria Martinez

Grégory Purnhagen

Jacques Marbeuf.

La Belle, de "La Belle et la Bête", de Madame Leprince de Beaumont, avec une robe correspondant à l’époque de l’écriture du conte (1757).

 

Le film est une adaptation littéraire inspiré du conte "La Belle et la Bête" du recueil le magasin des enfants de Madame Leprince de Beaumont datant de 1757. Le conte de Madame Leprince de Beaumont est un conte ayant pour but de distinguer laideur et beauté sur le plan physique et moral.

http://imaginez.net.free.fr/textes/beaumont/belleetbete.htm

 

 

L'histoire :

 

Quelque part au temps jadis, il était une fois un brave homme veuf et père de quatre jeunes gens. Une fille prénommée Belle, qui était aussi bonne et dévouée à son père que ses deux aînées étaient ingrates et chipies. Le fils, un sympathique bon à rien allait toujours flanqué de son ami Avenant, épris de Belle qui se refusait au mariage.

Un soir qu’il revenait à son foyer, le père s’égara et trouva refuge dans une demeure enchantée qui lui offrit dîner et repos. Alors qu’il repartait, il cueillit une rose pour Belle, déchaînant le courroux du seigneur des lieux resté jusqu’alors invisible. Un être fabuleux mi-homme mi-bête, qui le condamna soit à mourir soit à lui livrer une de ses filles… Ainsi commence le conte qui mettra la Belle en présence de la Bête, lui révélant du même coup l’irrésistible et mystérieuse puissance de l’amour.

 

La conception du film.

Juste après la Deuxième Guerre mondiale, Jean Marais a proposé à Jean Cocteau de faire un film qui se baserait sur deux œuvres du XVIIe siècle et XVIIIe siècle. L'une, dont le titre et la majeure partie du contenu narratif, est le conte de fées de Madame Le Prince de Beaumont, publié pour la première fois dans l'anthologie Le Magasin des Enfants, ou Dialogues entre une sage gouvernante et ses élèves, London 1757. La seconde source narrative du film est aussi un conte de fées : "La Chatte Blanche de Madame Marie-Cathérine d'Aulnoy", publié quelque 60 ans auparavant, dans une des premières anthologies du genre des "Kunstmärchen" (contes littéraires) imprimées en France : Les Contes des Fées, Paris 1697-1698. De ce conte, un seul motif évocateur se trouve dans le film : les domestiques, ayant été transformés par magie, en sont réduits à leur seuls bras et mains, encore prêts à servir.

 

 

Cocteau a trouvé l'idée excellente : non seulement elle coïncidait avec les rêves qu'il avait eus dans son enfance, mais elle lui offrait une nouvelle possibilité cinématographique : mettre en scène des contes de fées.

 

 

 

Le maquillage :

 

Au départ, Jean Marais avait pensé à une tête de cerf. Il semble qu'en faisant cette proposition, il se souvenait d'un détail dans "La Chatte blanche", où le heurtoir à la porte du château magique de la Chatte Blanche/la princesse est en forme d'un pied de biche ou chevrette. Cette proposition suivait les lignes narratives de ce conte de fées, et aurait eu évoqué aussi de loin le mythe du Cernunnos, dieux celtiques des bois aux têtes de cerf ; mais Jean Cocteau pensait que les spectateurs trouveraient une telle tête ridicule pour une bête féroce et dangereuse. Moulouk, le chien de Jean Marais servit de modèle pour le visage de la bête.

 

 

Il fallait environ trois heures pour fixer le masque de la bête, et une heure pour chaque griffe. Les dents du monstre étaient accrochées à celles de l'acteur par de petits crochets, ce qui n'était pas très pratique pour manger. La "bête carnivore" se nourrissait donc essentiellement de nourriture en bouillie (on peut lire ces témoignages de Jean Marais dans l'autobiographie qu'il a rédigée).

 

 

 

Lieux de tournage :

 

Les scènes extérieures ont notamment été tournées dans l'Oise (au Château de Raray), dans le Val-d'Oise (à l'Abbaye de Royaumont), en Indre-et-Loire (Le Moulin de Touvoie à Rochecorbon est la maison de la Belle, Parçay-Meslay), et dans le Alpes-Maritimes (Eze)

 

Les scènes en studios ont été tournés aux Studios Franstudio de Saint-Maurice, aux Studios Eclair d'Epinay sur Seine et aux Studios de Joinville à Joinville le Pont.

 

La réalisation :

 

Jean Marais à propos du tournage de "La belle et la bête".

 

http://www.ina.fr/video/I08282574/jean-marais-a-propos-du-tournage-de-la-belle-et-la-bete-video.html

Beaucoup de règles se sont vues brisées au cours de la réalisation de ce film, la musique d'Auric rompait les effets visuels plutôt qu'elle ne les soulignait. La cinématographie d'Alekan n'est pas conventionnelle, mais précise et claire - presque comme dans un documentaire. Le film a été tourné dans la campagne française, dans un environnement qui rend crédible non seulement la maison de la Belle et de sa famille, mais aussi le château de la Bête.

Dans son travail Cocteau a laissé jouer à la morale un rôle, un rôle soumis à la magie, au symbolisme, au surréalisme et à la psychanalyse. Le rôle de la Bête il l'a donné à un acteur qui était considéré alors comme l'homme le plus beau du monde, Jean Marais. Celui-ci interprète un rôle triple : la Bête, le soupirant de la Belle (Avenant) et le prince. En outre, il y a aussi dans le mur des bras d'homme qui en sortent et portent des chandeliers, ainsi que des cariatides dont les yeux bougent et une fumée qui s'exhale. Cocteau a placé aussi dans le film des talismans et des jardins enchantés.

Le film cherche à faire naître un sentiment de magie et d'ensorcellement. La technique cinématographique et les décors se réfèrent aux illustrations et aux gravures de Gustave Doré et, dans les scènes de ferme, aux tableaux de Johannes Vermeer. L'utilisation des images par Cocteau a fait s'affronter les experts pour savoir si les significations cachées s'expliquaient par Jung ou par le surréalisme.

 

Le film dure environ 96 minutes, et il est le premier que Jean Cocteau a écrit et mis en scène depuis Le Sang d'un poète. Cocteau montre ici combien il est difficile de séparer le rêve de la réalité.

 

Le générique lance un clin d’œil vers l'enfance puisqu'ici le générique avec les comédiens et les autres collaborateurs s'écrit sous nos yeux à la craie sur un tableau noir.

 

 

 Prix Louis-Delluc en 1946.

 

Ce film fait partie de la Liste du BFI des 50 films à voir avant d'avoir 14 ans établie en 2005 par le British Film Institute.

Sources :
-personnelles ( biographie de Jean Marais ) et Wikipédia.